Joan Maragall – Escrits en Prosa

Hace ya tiempo que escribí algo acerca de uno de los más grandes poetas catalanes de finales del Siglo XIX y principios del XX, Joan Maragall. En este caso, os dejo colgado un fragmento de sus conocidos “Escrits en Prosa”, que datan del año 1905. Cuando tenga algo más de tiempo lo traduciré al castellano para que pueda abarcar a muchísima más gente… de momento aqui lo cuelgo. Disfrutadlo.

“Més, oblidats sovint de la divinitat del mon, i per aparent necessitats de lo contingent; menyspreem el poeta xic o gros que hi ha en cadascú de nostaltres, i parlem interminablemente sense inspiració, sense ritme, sense llum, sense música, i les nostres paraules s’escorren insignificants i fatigoses, com planta que es dissipa en fulles innombrables, ignorant la meravella de les flors que porta inexpressades en el seu si.

I vosaltres mateixos que sou anomenats sobre tots poetes ¿Quan serà que entrareu profonament en les vostres ànimes per tal de no sentir altra cosa que el ritme diví d’elles al vibrar en l’amor de les coses de la terra? ¿Quan sera que menyspreareu tot altre ritme i no parlareu sinó en paraules vives? Llavors sereu escoltats en l’encantament del sentit, i les vostres paraules misterioses crearan la vida veritable, i sereu uns màgics prodigiosos.”

 

Mestre d’Amor (Joan Salvat-Papasseit)

Sempre he dit que no volia penjar coses aqui que n’estiguessin relacionades amb la meva vida personal però… potser ara sigui el moment. Llegeu-ne.

 

Si en saps el pler no estalviïs el bes,

que el goig d’amar no comporta mesura.

Deixa’t besar, i tu besa després,

que és sempre als llavis que l’amor perdura.

No besis, no, com l’esclau i el creient,

més com vianant a la font regalada.

Deixa’t besar -sacrifici fervent-,

com més roent, més fidel la besada.

¿Qué hauries fet si mories abans,

sense altre fruit, que l’oreig en ta galta?

Deixa’t besar, i en el pit, a les mans,

amant o amada -la copa ben alta-.

Quan besis, beu, curi el beire el temor,

Besa en el coll, la més bella contrada.

Deixa’t besar, i si et quedava enyor,

Besa de nou, que la vida és comptada. 

 

Jean-Jacques Rousseau

“Las cartas de amor se escriben empezando sin saber lo que se va a decir, y se terminan sin saber lo que se ha dicho”.

Con ésta frase se puede resumir la vida de muchas personas -entre ellas, puede incluso, que la mía propia-; y fue un filósofo franco-suizo quien, siendo precursor de las ideas del libertinaje que, a posteriori confluirían en las líneas maestras de la Revolución Francesa, quien acuñó tan elegante término y que nos dejó una huella de inteligencia que, aun se siente desde el otro lado de los pirineos. Hablamos de Jean-Jacques Rousseau.

Nacido en Ginebra el 28 de Julio de 1712, éste fue un ilustre de las letras francesas. Huérfano de madre desde muy temprana edad, Rousseau, fue criado por su tía materna y por su padre, un modesto relojero. Sin apenas haber recibido educación, trabajó como aprendiz con un notario y con un grabador, quien lo sometió a un trato tan brutal que acabó por abandonar Ginebra en 1728. Se instaló en Saboya acogido por un sacerdote del Bell-lloc del Pla cuyo nombre era Mn. Torres. Más tarde se estableció en Annecy, tutelado por Madame de Warens, quien le convenció de que se convirtiese al catolicismo (su familia era calvinista). Poco después, y ya como amante de la baronesa, Jean-Jacques Rousseau se instaló en la residencia de ésta en Chambéry e inició un período intenso de estudio autodidacta. En 1742 marchó a París y tres años más tarde se casó con Thérèse Levasseur y entró en contacto con otros ilustrados como Jean Le Rond D’Alembert, François Marie Aourie “Voltaire”, Jean-Phillipe Rameau, Denis Diderot… . En 1750, y por influencia de éstos últimos, ganó el premio de las letras de la Academia de Dijon, por su obra “Discurso sobre las ciencias y las artes”. En su influyente tratado El contrato social, publicado en 1762, dibujó una versión diferente de la teoría contractual. Parecida pero diferente a la de su predecesor, John Locke, Rousseau va a intentar establecer relaciones sociales entre los reyes y el pueblo llano, Descarta que el vínculo se halle en la fuerza o la sumisión, sino que por el contrario, los hombres voluntariamente renuncian a un estado de natural inocencia para someterse a las reglas de la sociedad, a cambio de beneficios mayores inherentes al intercambio social. Este consentimiento voluntario se materializa a través de un contrato, “el contrato social” en este caso. En 1754 visitó de nuevo Ginebra y retornó al protestantismo para readquirir sus derechos como ciudadano ginebrino, entendiendo que se trataba de un puro trámite legislativo. Apareció entonces su Discurso sobre el origen de la desigualdad entre los hombres. Finalmente, Emilio o De la educación (1762) es una novela pedagógica, cuya parte religiosa le valió la condena inmediata por parte de las autoridades parisinas y su huida a Neuchâtel, donde surgieron de nuevo conflictos con las autoridades locales, de modo que en 1766, aceptó la invitación de David Hume para refugiarse en Inglaterra, aunque al año siguiente regresó al continente convencido de que Hume tan sólo pretendía difamarlo (-paranoias ilustradas supongo, el dudar del ilustre genio inglés-). Volvió a París en 1770 y murío en Ermenonville un 2 de Julio de 1778.

El caraterístico de Rousseau, que consagra la originalidad radical de su talante intelectual, se basa en haber pensado la educación como la nueva forma de un mundo que había iniciado un proceso histórico de dislocación. Mientras sus más activos contemporáneos, también tocados por la gracia educativa, se dedicaban a “fabricar educación”, y las grandes figuras de la inteligencia se esfuerzan en remodelar al hombre mediante la educación haciendo de él un humanista, o un buen cristiano, o un caballero, o un buen ciudadano, Rousseau deja de lado todas las técnicas y rompe todos los moldes proclamando que el niño no habrá de ser otra cosa que lo que debe ser: “vivir es el oficio que yo quiero enseñarle, al salir de mis manos no será, lo reconozco, ni magistrado, ni soldado, ni sacerdote: antes que nada será hombre”.

Sobresaliente.

 

El Fí de Serrallonga

A continuación os ofrezco la poesía íntegra titulada “El Fí de Serrallonga”, un poema trágico basado en la extrema unción, previa ejecución, de Joan Sala i Serrallonga; un bandolero catalán del siglo XVI, de gran admiración popular. Homenajeado en éste caso por el célebre poeta, Joan Maragall.

El texto en sí está en catalán del Siglo XIX, aunque he adaptado algunas formas léxicas para que sea más fácil de leer con el léxico actual aunque, conservando el color, el tono, y las sílabas originales en todos los versos del texto.

 Disfrutadlo.

• - Pare, absoleu-me: sóc cansat de viure.
• - T’escomet a bona hora el cansament.

La teva vida s’ha acabat i ets lliure,

D’anar-te’n al respòs eternalment,

Mes, abans d’adormir-te i reposar-te,

Cal que et recordis dels teus grans pecats:

Tots aquells que jo puga perdonar-te,

També de Déu seran-te perdonats.

• - El primer pecat meu és l’orgull, pare:

Jo sóc aquell que he tingut un rei al cos;

Mai he pogut sofrir que algú em manare:

Fer la llei a tot déu era el meu goig.

Per això he tingut tant odi al rei d’Espanya,

I li he fet la guerra jo tot sol.

Ell la terra ens ha omplert de gent estranya,

I manar-nos-ho tot és lo que vol.

Doncs, jo li he dit: <<No em plau!>> I, via fora!

He anat pel món com m’ha vingut a pler,

He fet lo que he volgut, lliure a tothora,

I no he obeït llei, ni rei, ni res,

I, tant se val!, és una bella cosa,

Fer tremolar tothom i estar segur!

Cap respecte en ma vida m’ha fet nosa,

Mai he baixat la testa per ningú…

• - Mes, ara…

                         -      Mes, ara que ja sé que compareixo

en presència de Déu omnipotent…

• - Te’n penedeixes?

       -       Sí, me’n penedeixo.

• - Doncs, sia’t perdonat.

       -       Amén, amén…

—–

• - Quin altre pecat tens?

          -         La ira, pare.

                Quan m’encenc no tinc fre ni aturador,

                Me giro contra el món, Déu i sa Mare,

                I tot voldria dur-ho a destrucció,

                Pare, he estat cruel: moltes vegades,

                M’he delitat veient rajar la sang;

                He vist alçar-se a mi mans ajuntades,

I segar-se genolls caient al fang.

I jo me n’he rigut, perquè em plaïa,

I, podent perdonar, no he perdonat…

És una cosa dolça i fa alegria,

Veure un’nemic als peus ben manillat!

I fer mal! I fer mal! Allò era viure:

Destruir sols per gust i per voler;

Sentir plorar a tothom i poder riure…

Ser com rei de dolor… És boll, a fer!

• - Fill meu! Fill meu! Això és massa malesa;

Això és un mal esperit que tens al cos:

Encara en parles amb la vista encesa

En for d’infern!…

       -       No, no!… ja ve el repòs…

• - Doncs, ara que ja sé que compareixo

en presència de Déu omnipotent…

• - Te’n penedeixes?

       -       Sí, me’n penedeixo.

• - Doncs, sia’t perdonat.

       -       Amén, amén…

—–

• - També he tingut enveja i mala bava,

Per corrompre la glòria dels demés:

Allí on jo he conegut que no arribava.

No he volgut que cap altre hi arribés.

D’aquell que em feia ombra o bé respecte,

M’he gaudit fent-ne córrer males veus,

I, tot fingint-li acatament i afecte,

Li anava segant l’herba sota els peus.

De lo que no he entès n’he dit mentida,

Dels fets més grans que els meus, n’he dit rampells,

He volgut sols un pes, sols una mida:

La meva: els que en passaven, pobres d’ells!

Rebaixar, rebaixar, fins que es confonga,

Tothom en un mesquí i humil estol,

I al damunt en Joan Sala i Serrallonga,

Sent més que tot i governant tot sol.

• - Mes, ara…

                         -      Mes, ara que ja sé que compareixo

en presència de Déu omnipotent…

• - Te’n penedeixes?

       -       Sí, me’n penedeixo.

• - Doncs, sia’t perdonat.

       -       Amén, amén…

—–

• - He estat avar: mai he tingut de sobra,

Sempre he anat per més al camí ral;

Per molt que posseís, em sentia pobre,

I amb la por d’anar a raure a l’hospital.

Ai! La cobdícia no em deixava viure,

Era roí pels altres i per mi;

Per un parell de bous, per una lliura,

Hauria fet deu hores de camí.

Veure els diners apilats em consolava,

Mes fruir no podia’n altrament,

Que pensant a quants altres els mancava,

Allò que era per mi un bon passament.

<<Això és ben meu -pensava-; això no falla;

Els altres, si misèria o fam vingués,

Que es pengin!>>  I, llavors, ni una malla,

Hauria dat a un pobre que passés.

• - Mes, ara…

                         -      Mes, ara que ja sé que compareixo

en presència de Déu omnipotent…

• - Te’n penedeixes?

       -       Sí, me’n penedeixo.

• - Doncs, sia’t perdonat.

       -       Amén, amén…

—–

• - La peresa, la gola i la luxúria,

Ben cert que foren mos pecats més xics;

Però algun cop m’ha plagut deixar la fúria,

Dels combats, lluny d’amics i d’enemics.

Me’n anava a fer cap a la masia,

Oblidada en el fons d’alguna vall,

I m’entaulava en bona companyia.

Menyspreant tota lluita i tot treball.

Llavors jo me’n reia de la guerra,

I dels meus que es batien, capsigranys!

I tant se me’n donava que la terra,

La manessin els propis o els estranys.

Ben menjat, ben begut, plavia’m jeure,

A bona ombra per fer la migdiada,

Cantant cançons d’amor que fan distreure,

O escoltant els ocells en la brancada.

Si llavors passava alguna mossa,

Revinguda de cos, jo la cridava,

Ella venia a mi, la deshonrava,

I encara se’n tenia per ditxosa.

• - I goses riure?

                      -       Era cosa bona…

• - Mes no ho és pas a l’hora de la mort.
• - Bon menjar, bon oblit i jeure amb dona:

Mai havia trobat millor conhort.

• - Mes, ara…

                         -      Mes, ara que ja sé que compareixo

en presència de Déu omnipotent…

• - Te’n penedeixes?

       -       Sí, me’n penedeixo.

• - Doncs, sia’t perdonat.

       -       Amén, amén…

—–

• - I el tracte amb Na Joana no és injúria

Que clama també a Déu Nostre Senyor?

Acusa’t!

       -       Pare no: no fou luxúria

                Sinó una veritable estimació.

 És cert que jo en ses carns moltes vegades,

Hi he enterrat tant de força i de voler!

Mes eren llaç d’amor ses abraçades,

I coronat de seny son front serè.

La Joana m’ha estat reina i esclava,

Molts cops ella pensava per tots dos;

Quan jo estava adormit, ella vetllava;

Ella m’ha fet valent i poderós.

M’ha ajudat amb l’esguard, amb la paraula;

Si ha caigut, amb la força del seu braç;

Cada migdia m’ha llescat pa a la taula,

I cada vespre m’ha alegrat el jaç.

En paga, jo li he estat amat sol·lícit…

D’això també me n’haig de penedir?

• - Fou un amor desordenat i illícit!
• - Doncs… tant se val!… me’n penedeixo, sí!
• - Tens algun pecat més dins teu?

 -       No, pare.

• - De tots els que m’has dit i els que has comès

Contrit demanes perdó a Déu?

-       Sí, pare.

• - I et sap reu de tot cor d’haver-lo ofès?
• - Sí.
• - Doncs en nombre Déu omnipotent,

Pare, Fill i Esperit Sant, t’absolc. Amén.

 

Andy Warhol

Podemos ver obras en museos de arte contemporáneo que en muchas ocasiones no somos capaces de asociarles un nombre concreto o un autor. Otras veces, y en lugares como el Guggenheim, el Reina Sofía, el Thyssen… podemos ver obras como ”Marilyn“, “Campbell’s Soup Can“, “Mao“, “Shoes“, o “Self Portrait“; obras que despiertan un deseo de un conocimiento más profundo de ellas, pero que éste caso sí que llevan un nombre implícito: Andy Warhol.

Nacido en Pittsburg, Pennsylvania, el 6 de Agosto de 1928, fue el menor de tres hermanos de padres inmigrantes procedientes de la República Eslovaca, Andrej y Julia Warhola. Practicantes de la fe ortodoxa, los Warhol adoptaron éste nombre en adaptación al equivalente estadounidense de “Warhola”. Andrej trabajaba en la construcción, mientras que Julia fabricaba flores de hojalata y las pintaba artesanalmente. De niño, Andy no tuvo una infancia demasiado saludable ya que padecíó ‘escarlatina’ desde muy pequeño (enfermedad que provoca una pigmentación irregular en la piel), al igual que la enfermedad del ‘baile de san vito’ (enfermedad que afecta al sistema nervioso que causa espasmos involuntarios). Desde los 8 años, Warhol, comenzó a coleccionar fotos de estrellas de cine, y comenzó a dar clases gratuitas de arte a los 11 años. En 1942 muere su padre y poco después en 1945 es admitido en el Carnegie Institute Of Technology de Pittsburg, donde se licenció en Bellas Artes y Diseño Pictórico. En 1949 se muda a Nueva York y comienza a trabajar como Artista Comercial, donde su primer trabajo fue para la revista Glamour, en la cual ilustra el artículo “What Is Success?”. Su primera exposición individual “Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Capote”, se llevó a cabo en la Hugo Gallery, en Nueva York, en junio de 1952. En 1956 se va a Europa junto con Charles Lisanby, centrándose fuertemente en el aspecto de la pintura. En los 60’s comienza a pintar imágenes pop, como “Campbell’s Soup Can“. En 1964 fundó su famoso estudio “The Factory”, cuya vida dentro de dicho estudio junto a los artistas que allí se reunían, se comentaban en todos los periódicos sociales de los Estados Unidos. En 1965 triunfa con su exposición en París, Flowers, donde anunció que se dedicaría al cine (donde, entre 1963 y 1976 creo más de 600 películas y entre ellas, grandes clásicos del cine de Vanguardia como, Sleep (1963), Empire (1964), Kiss (1964) o Chelsea Girls (1966)). En 1967 extendió su creatividad al performance artístico con la protagonizado por la banda de rock and roll “The Velvet Underground“. En ese mismo año aparece su primer libro, Andy Warhol’s Index. En 1968, una mujer, Valerie Solanas, que se describía como feminista radical y dramaturga, y a la cual Warhol había prometido publicar su manuscrito, le dispara seis veces en el pecho y es herido gravemente. Se requieren más de seis horas de cirugía para salvarle, y los efectos de este evento dejan a Warhol traumatizado por el resto de su vida. Al año se publica su revista InterView. Al comienzo de los 70’s comienza con su serie de serigrafías sobre “Marilyn“. Durante la década de los setenta, Warhol socializaba frecuentemente con figuras como Jackie Onassis y Truman Capote; ambos habían sido una fuente de inspiración importante en su obra. También comenzó a hacer docenas, y luego miles, de retratos pintados por él a gente de sociedad de gran influencia, estrellas de música, cine y muchos más clientes de la “sociedad”. Asistía con frecuencia a las fiestas de “Studio 54″, junto con Halston, Liza Minelli y Bianca Jagger. En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la portada del disco “Made In Spain”, también utilizada para el disco “Milano-Madrid” de este mismo artista. Ese año visita Madrid, donde es recibido con entusiasmo por Almodóvar, Fabio McNamara y otras personalidades de la cultura y la vida social madrileña. En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung. Warhol, muere debido a una complicación de una cirugía de vejiga el 22 de febrero de 1987.

Warhol extendió sus talentos intelectuales a otros campos e hizo algunas cosas dentro de la edición de libros, la escritura, el cine, la televisión y la música. Fue uno de los artistas más prolíficos y famosos que haya conocido el Siglo XX.

Éste es mi pequeño homenaje a Warhol.

 

Johann Wolfgang Von Goethe

Dramaturgo, Historiador, Pintor, Poeta, Cintífico, Físico, Botánico, Arquitecto, Filósofo, Humanista, Diseñador, Geólogo y Funcionario. Éstos son sólo algunos de los adjetivos entre los que se podrían englobar a Johann Wolfgang Von Goethe, uno de los personajes de la Alemania modernista de los Siglos XVIII y XIX.

Nacido en Frankfurt un 28 de agosto de 1749, Johann Wolfgang Von Goethe fue hijo de un abogado ilustrado, Johann Gaspart Goethe, y de la hija de un burgomaestre de Frankfurt, Katharina Elisabeth Textor. Goethe fue uno de los artífices del crecimiento del romanticismo literario dentro de la Europa pre-contemporánea. Agudo observador de las grandes revoluciones industriales de finales del Siglo XVIII, fue también uno de los primeros pensadores en explorar las implicaciones de la misma Revolución Industrial. Reconocido por su fabulosa inteligencia y su ejemplar equilibrio tanto mental como espiritual -conseguido mediante una rigurosisima disciplina familiar- se convirtió en todo un paradigma del ideal Europeo basado en la cultura y la universalidad. Estudió Derecho en Leizpig, donde conoció escritos de Winckelmann acerca del arte y la cultura griega, pero cayó presa de una grave enfermedad que le obligó a dejar los estudios y volver a Frankfurt, donde, una amiga de su madre, Katharina von Klettenberg le introdujo en el misticismo pietista del protestantismo, y es ahí donde va a comenzar a escribir sus primeros poemas. Tras recuperarse, decide terminar sus estudios en Estrasburgo y, dos años más tarde, entabló amistad con el filósofo Johann Gottfried von Herder, quien le introdujo a la poesía popular alemana y al universo de Shakespeare. Pasó una época vanagloriada por la literatura alemana con los escritos del Werther (fruto de un desamor), y brotó su rama de dramaturgo con las obras de Clavijo y Stella. Entró poco después al servicio del príncipe heredero Carlos Augusto, donde paso posteriormente, por reestructuración del sistema del círculo real intelectual, a ser Consejero-Ministro. Se interesó por esta época en la ciencia, dónde, dentro del campo de la óptica, elaboró una teoría del color distinta a la de Isaac Newton. También destacó en la osteología, donde descubrió el hueso intermaxilar, poniendo una de las primeras piedras en la teoría evolutiva de la humanidad. Pasó por la masonería en 1780, y profundizó muchísimo en el teatro de la mano de autores como William Shakespeare o Pedro Calderón de la Barca. Marchó a Italia un largo de periodo de tiempo en busca de la estética romántica del teatro Italiano y es aquí donde se encuentra su punto de inflexión en la concepción Goethiana del teatro, cambia al estilo clásico (el cual, va a resultar, hasta cierto grado, polémico en su vuelta a Alemania años más tarde). La Revolución francesa cambió de nuevo el rumbo de Goethe: el cual se encontraba inmiscuido en una nube clasicista regentada por los valores del equilibrio y la armonía, veía violento el cambio provocado por la revolución gala. Ahí nacieron obras suyas como Las afinidades electivas (1809), Diván de oriente y occidente (1819) o, Los años del peregrinaje de Wilhem Meister (1821). Su obra más reseñable, Fausto, (la primera parte fue editada en 1807, mientras que la segunda, datada en 1832) fue a título póstumo. Murió en Weimar el 22 de marzo de 1832.

Científicamente, sus investigaciones sobre el color, la metamorfosis de las plantas, la geología y la meteorología habían sido hechas por un competente observador de los fenómenos naturales, el cual, creía que el ser humano era el más exacto instrumento para observar la naturaleza. Goethe comprendió perfectamente el papel que tenían el experimento y la teoría, siendo consciente de los peligros reduccionistas que traía consigo adoptar una actitud acrítica frente a los métodos científicos. Durante años, Goethe investigó las diferentes teorías del color -frente a científicos como Sir Isaac Newton- hasta descubrir que «la historia de la ciencia es la ciencia misma», que la ciencia está formada y deformada por teorías parciales que jamás podrán contemplar el fenómeno en toda su interdimensionalidad. Por otro lado, su acercamiento panteísta al mundo natural le hace tomar, en cierta manera, una posición moral con respecto a la naturaleza, anticipándose así al ecologismo. Su aproximación a la naturaleza depende tanto del desarrollo de la conciencia de ésta como de la intensificación de la experiencia misma, mostrándonos así un camino en el que la curación de la Naturaleza y el hombre está implícita.

Como frases, me quedo con éstas tres:

<<El hombre más feliz del mundo, es aquel que sepa reconocer los méritos de los demás y pueda alegrarse del bien ajeno como si fuera suyo propio>>.

<<La venganza más cruel es el desprecio de toda venganza posible>>.

<<Sólo es digno de libertad quién sabe conquistarla cada día>>

Escogí a Goethe, por el polifacetismo tan natural del cual nunca le importó hacer alarde y, por todas las contribuciones que hizo en las diferentes ramas de la ciencia. En cierto modo, es mi parecer que, el interés por el universalismo toda persona ya lo lleva innato y es un conocimiento a priori -como bien diría el maestro Immanuel Kant- “interiorizado desde un primer momento por toda persona humana en el momento de su alumbramiento” . Ahora bien, como hito dentro de éste campo, creo que el humanista alemán es el icono pre-contemporáneo que resume la búsqueda del estereotipo europeo de hombre culto.

Ése, fue Goethe.

 

Antoni Gaudí

Si existe un exponente de la arquitectura contemporánea, si existe un zénit en el ámbito de la vanguardia arquitectónica y el modernismo catalán, si realmente hay alguien que merece ser nombrado por romper con todo y hacer de su estilo una forma de vida, ese es Antoni Gaudí.

Tarraconense de nacimiento, nació en Reus un 25 de junio de 1852, estudio Arquitectura en la Escuela Llotja y en la Escuela técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, en la cual se licenció en 1878. En ésta etapa Gaudí trabajó como delineante para costearse sus estudios para varios arquitectos entre los que destacan Joan Martorell, Josep Fontseré o Leandre Serrallach. Eusebi Güell, se fijó en las dotes de Gaudí durante la Exposición Universal de París de 1878, donde el maestro Gaudí expuso una vitrina para una fábrica de guantes, y quiso contactar con él para realizarle encargos. En 1883, se encargó de continuar el proyecto del Templo Expiatorio de la Sagrada Família (una idea original del librero barcelonés Josep María Bocabella, quien le encargó el proyecto primeramente a Francisco de Paula Villar i Lozano, el cual renunció a tal proyecto por desavenencias con Josep Martorell –asesor arquitectónico de Bocabella- y le entregó el proyecto a un joven recién licenciado llamado Antoni Gaudí), el cual modificó por completo y creo uno nuevo, haciéndolo completamente suyo y que, a partir de 1910, se va a dedicar en exclusiva a él hasta la fecha de su muerte. También en ese mismo año, se encargo del proyecto de El Capricho (Villa Quijano), en la localidad cántabra de comillas, una obra dirigida por el arquitecto Cascante Colom. Entre los años 1885 y 1889, Antoni Gaudí estuvo inmerso en las obras del Palau Güell (Carrer Nou de la Rambla, s/n – Barcelona), una obra encargada por Eusebi Güell -y la cual, fue declarada Patrimonio de la Humanidad en 1984-. En 1889, se hizo cargo del proyecto de la Casa Vincens i Montaner (Carrer de Carolines, 24 – Barcelona) en una fachada basada únicamente en la cerámica. En el 1900 diseñó la Casa Calvet (Carrer de Casp, 48 – Barcelona), un edificio de balcones acristalados. Entre 1900 y 1914 (fecha de fin de construcción) diseñó y construyó el Parc Güell, una maravilla mundana situada cerca del Tibidabo, en la vertiente que mira al mediterráneo de la capital catalana, junto al Turó del Carmel. Sin duda una de las mayores obras de Gaudí, la cual, está en perfecta armonía con la naturaleza y que emula las ciudades-jardín inglesas. También fue declarado en 1984 Patrimonio de la Humanidad. Entre 1905 y 1907 construyó la mítica Casa Batlló (Passeig de Gràcia, 43 – Barcelona), otro máximo exponente Gaudiano en pleno corazón de Barcelona. Entre los años 1906 y 1910 proyectó y construyó la Casa Milá, también conocida como “La Pedrera” (Passeig de Gràcia, 92 – Barcelona), hecha por encargo de Roser Segimon y Pere Milá y que, en la actualidad es propiedad de la entidad bancaria Caixa Catalunya. Al igual que muchas de sus obras, también fue declarada Patrimonio de la Humanidad en 1984. (Murió a los 74 años de edad, el 10 de Junio de 1926, al ser arrollado por un tranvía en la barcelonesa Plaza de Tetuán, un 7 de Junio de 1926.

La obra de Gaudí es reconocible a primera vista en la mayoría de las ocasiones (otras, como por ejemplo la Casa Calvet, es algo más dificultosa de discernir en el estilo por las complicaciones que tuvo Gaudí de equilibrar las fachadas con los edificios colindantes), con influencias de la arquitectura asiática, continuas evasivas a los ángulos rectos y su proyección por las elípticas.

Como frases, me quedo en especial con dos. La primera de ellas, de Elíes Rogent, director de la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona y profesor de Antoni Gaudí:

“Hem donat el títol a un boig o a un geni. El temps ho dirá”.

Y la segunda y, una frase que perdurará por siempre, del maestro de Reus:

“L’Originalitat consisteix en retornar à l’origen”.
Irrepetible.

 

Museo del Prado

Me he vuelto a enamorar. Hacía meses que no pisaba El Prado hasta que ayer, sábado, 26 de febrero de 2008 volví a pisar, la que en algún momento de mi vida fue mi casa. No había vuelto a pisar el Museo del Prado desde el verano de 2007, justo antes de la reapertura con la inauguración de las nuevas salas del edificio de los Jerónimos.

Ha sido curioso, porque puede que hasta hoy, las fábulas de Velázquez no hayan sido tan sumamente trascendentales para mí. Digamos que he tenido un día… lo que viene a ser un poco rollo autista, hasta que he llegado al Prado: Me he levantado pronto, me he duchado, me he vestido (super informal, como ya sabéis aquéllos que me conocéis) y me he ido a pasar el día al Prado.

Tras esperar casi media hora de cola para entrar en la pinacoteca, al sol justiciero del invierno matritense, he logrado entrar en las nuevas salas del Museo del Prado (A-B-C y D, las cuales son complementarias de las 01-102 del Edificio principal –Villanueva, para los más escépticos-), para ratificar lo que todo crítico comenta: Rompe con la idiosincrasia del Prado. Y es así, el Prado no es un museo de arte moderno.

He quedado bastante descontento con la ampliación, ya que no es para nada acorde con la política de arte del propio museo. Se rompe con el clasicismo del que tanto alardeaba Miguel Zugaza (Director del Museo del Prado), para darle un aire contemporáneo muy del estilo Thyssen o Guggenheim, que para nada tiene que ver con la principal pinacoteca de Madrid. Se habla de la respetuosidad de la infraestructura con el asunto de los Jerónimos, el claustro, la luz natural de la propia ampliación, la obra de ingeniería… pero no es el estilo.

Aunque todo hay que decirlo, en la ampliación están expuestas las principales piezas de la pintura del Romanticismo español del siglo XIX (con la cual, muchos visitantes descubrirán que el romanticismo español del siglo XIX no muere en Goya) y, en las salas A y B podemos encontrarnos con obras de Federico Madrazo; o en la sala C, por ejemplo, con algunas de las principales obras de Sorolla y Beruete, de camino al claustro de los Jerónimos, en la segunda planta.

Ampliación a parte, me centro en mi jornada en el edificio Villanueva, donde por primera vez he visitado la exposición “Fábulas de Velázquez”, sita en el museo hasta el día 24 de febrero, y la cual vale mucho la pena ir a visitar. Las fábulas de Velázquez nos hacen el recorrido de Diego de Velázquez desde sus comienzos en la Sevilla de principios del Siglo XVII (vida cotidiana), pasando por los “Borrachos” de Velázquez del primer cuarto de siglo (Mitología y realidad), su época italiana (Horizonte Romano: donde tenemos alusivas a creadores como Caravaggio o Rubens, amén de la obra “La Fragua de Vulcano”), Sus obras religiosas (Devoción y Meditación: donde también podemos encontrar alguna obra de Francisco de Zurbarán y del propio Velázquez, en sus actos devotos a la iglesia católica, como la “Aparición de San Pedro Apóstol a San Pedro Nolasco” ), su alegoría al desnudo (con obras como la “Venus frente al espejo” -donada por la National Gallery de Londres-), el paso por la Filosofía (aquéllos retratos a Demócrito y Heráclito, de Rubens), y finalmente, el Telar de la Fábula (donde tenemos como protagonista a la “Fábula de Aracne”).

Obviamente no podemos obviar (perdón por la redundancia) el embrujo de “Las Meninas” de Velázquez si estamos visitando El Prado, en la sala XII del corredor principal, pese a no entrar dentro de las fábulas del mismo (Si pregunto ahora mismo cuántos miembros de la familia real del emperador Felipe IV aparecen en dicha obra ¿Quién me lo podría responder? –Sin mirar la foto, claro está).
La tarde también se ha centrado en El Greco, pero muy especialmente en una obra (de las decenas que ahora mismo el Prado dispone para dicho autor, para el cual, ha habilitado toda un ala con una colección permanente). La obra en cuestión es “El entierro del Conde Orgaz”.

Amén de Velázquez y el Greco, y salvo pinceladas de Goya, Tiziano y Caravaggio a lo largo de las galerías de El Prado, la tarde transcurrió entre calibres de alto nivel, como José de Ribera, Murillo, Correggio, Roger Van der Weyden o Eduardo Rosales.

Como conclusión: pese a la ruptura clásica del Prado con la ampliación de los Jerónimos, podemos quedarnos con la intención del Museo de acercarnos el romanticismo español del XIX a todos los públicos con obras clásicas, con la majestuosidad de las Fábulas de Velázquez y con un recorrido zig-zagueante entre centenares de maravillosas obras. El día ha sido brillante.

 

Joan Miró

Fueron exactamente doce días, doce, los que compartí de existencia con una de las personas que más han influenciado creativamente y más me han enriquecido, a lo largo de toda mi vida. Joan Miró.

Excéntrico y centrado ¿Cómo alguien tan sumamente influyente en el mundo del arte contemporáneo puede albergar semejante paradoja?Sólo Joan Miró podría hacerlo, poniendo en tela de juicio la lingüística acerca de dos palabras tan lejanas pero tan confluyentes cuando se refieren a su persona.Excéntrico. Por la inverosimilitud con la que creaba sus obras, por la manera en la que era capaz de reflejar el subconsciente de los sueños –de la que tanto hipotetizó Freud–, por el amor a su tierra, a su país, por el retorno a la infancia.Centrado. Por la serenidad y la dulzura de sus trazos, por la belleza de sus contrastes de color, por su deseo de romper con las tradiciones de los medios artísticos, por su firmeza a hacerlo diferente.

Nacido en Barcelona un 20 de Abril de 1893, se va a graduar en 1910 en la escuela superior de Bellas Artes de Barcelona (la Llotja) de la mano del pintor y dramaturgo, Modest Urgell, y del dibujante Josep Pascó. Comenzó también a interesarse por la poesía y vanguardia de los estilos de vida francés y catalán, tales como las obras de Pierre Reverdy y Albert Birot. Aunque fue en 1918 donde, movido por la explosión fauvista y cubista del momento, expone su primera obra en solitario en las Galeríes Dalmau de Barcelona. En 1920 viajó a Paris a su primera exposición en Francia de mano de Josep Dalmau y visitó a Pablo Picasso. En París vivió unos años de pleno enriquecimiento creativo-intelectual, donde incluso llegó a conocer a Ernest Hemingway. En 1930 realiza su primera exposición individual de pintura y collage en los Estados Unidos, en la Valentine Gallery de Nueva York. Pero fue en 1933, de la mano de Joan Prats i Josep Lluís Sert, cuando va a decidir volver a Barcelona para trabajar en el telón, vestuario y ballet del Ballet Ruso de Montecarlo. Retornó a París y trabajó con Pierre Matisse y Roger Lacourière hasta 1942, cuando definitivamente va a volver a Barcelona y va a comenzar toda una etapa ceramista junto con Josep Llorens Artigas. En el 1949 comienza a frecuentar París para trabajar en la litografía con Mourlot y, en 1950, trabaja con los trabajos de Harkness Commons de la Universidad de Harvard encargada por Walter Gropius. En 1956 se traslada a Palma de Mallorca y recibe el Guggenheim International Award por la inauguración de los murales de la Unesco de París, dos años más tarde. En 1966, tras una década de éxitos monumentales de la mano y en conmemoración a los maestros Artigas y Sert, viajó a Japón por primera vez donde conoció al poeta Shuzo Takiguchi, autor de su primera monografía. Es en 1972 cuando queda legalmente constituida la Fundación que lleva su nombre, como centro de estudios de arte contemporáneo y en 1975 se abre al público. En 1979 es nombrado doctor Honoris Causa por la Universidad de Barcelona y un año más tarde, el Rey Juan Carlos I le otorga la medalla de Oro a las Bellas Artes.

Nos abandonó en Palma de Mallorca, un 25 de diciembre de 1983. Aunque debe ser que, su esencia cruzó el mediterráneo y voló hasta mi corazón aquel día, al de un niño de tan sólo días, y en el que hizo brotar una vertiente mironiana, la cual os intenta explicar.
Podría explayarme acerca de Miró durante bastantes horas, pero creo conveniente únicamente el mostraros sus obras más relevantes* -bajo mi punto de vista, o las más impactantes para mí (como se prefiera)- para que el simple embrujo de las artes del maestro Joan (permítame éste lujo del tuteo, sólo por ésta vez) embriague vuestras mentes y paralice vuestros sentidos, -como otrora ya hizo conmigo-, y, al despertar del ebrio sueño de curvas, asíntotas, colores, contrastes, tonalidades, trazos, collages… podáis exclamar: “¡Qué Maravilla!”.

* Imatges per cortesía de la Fundació Joan Miró de Barcelona: http://www.fjmiro.cat/